TABLA DE POSICIONES

Así quedo finalmente mi campeonato del Bafici, obviamente quedan afuera todas las que no tuve tiempo de ver. De alguna manera caprichosa, esta fue la selección de películas que elegí para mirar a lo largo de estos 10 días.
Mis ojos cuadrados entonces, de a poco, pero con nostalgia, volverán a su forma natural... hasta el próximo Bafici.

1. Los Angeles Plays Its Self
2. Kumiko, The Tresure Hunter
3. Only Lovers Left Alive
4. Night Moves
5. 20.000 Days on Earth
6. Submarine
7. Coherence
8. Big Bad Wolves
9. Costa Do Morte
10. Tonight and The People
11. We Are The Best
12. The Punk Singer
13. Mistaken For Strangers
14. Downloaded
15. Verónica Mars
16. Grand Central
17. Of Horses and Man
18. The Sea
19. Basket Case
20. The Wait
21. Upstream Color
22. Al Fin del Mundo
23. Afternoon Deligth

Julián

LA PROFESORA DE PUNK

The Punk Singer de Sini Anderson
De garrapatas y punks.
No conocía a kathleen Hanna de nada. Elegí esta película dentro de mi cuota anual sobre rockumentales en el Bafici. Y me decidí a ir de función trasnoche porque unos amigos venían y me invitaban una copa a la salida para festejar mi cumpleaños. Pero como de mi cumpleaños se trataba, ya caí en el cine con unas cuantas copas puestas, y para mi sorpresa no me dormí. Seguramente esto tuvo que ver con que la película atrajo mi atención. Como comencé diciendo no conocía de nada a la cantante Punk, y está bueno también conocer estas historias de cero, me permite conocer al artista y su obra a la misma vez,
Kathleen Hanna no es Nick Cave, ni pretenciones tiene de serlo, y la estética caótica de este rockumental en contraposición con la película sobre Nick Cave consigue un sano equilibrio dentro de la grilla musical de este festival.
Kathleen sería otra si no fuera por la intervención de un personaje determinante en la vida de la artista que hizo que su prolífica carrera se encuentre al borde del abismo: una garrapata. Si, una garrapata le picó allá por el 2005 y ella no se enteró de tal hecho hasta el 2010. Cuando por fin luego de 5 años de angustia y de una carrera ya caída a pedazos le pudieron diagnosticar correctamente una enfermedad: La enfermedad de Lyme. Una enfermedad que afecta al sistema neurológico y que hace que los médicos se confundan mucho a la hora de diagnosticar. Pero el peor síntoma de esta enfermedad son los años perdidos por la impericia de los médicos a la hora del diagnóstico.
Esperemos que ahora que la conozco a Kathleen, pronto esté en su plenitud física para volver a llenar de su energía vital y su capacidad artística todos esos proyectos que desde los 90s viene haciendo, y que para mi solo fueron una hora y media de documental. Ahora si, seguiré de cerca los pasos de su carrera, vale la pena estar alerta.
Julian

LOLLAPALIICI

"20.000 Days on Earth" de Lain Forsyth, Jane Pollard
"Only Lovers Left Alive" de Jim Jarmusch

Mientras esperaba por la proyección de "Los Angeles, Plays Itself" escuchaba algunas frases salidas de la conversación que mantenían 2 chicas sentadas a mi lado. No se bien de que hablaban, un poco porque no les prestaba la debida atención, y otro poco porque hablaban en voz muy baja. Pero lo que sostenía ese poco de atención de mi parte es que me encanta escuchar a la gente hablando en voz bajita. Y ese es un lujo que te podes dar un pocos lados, o mas bien en uno solo, en el cine. No entiendo muy bien porque la gente habla tan bajo cuando la pantalla está aún apagada. La cuestión que una parte de la conversación si llegó clara a mi escucha, y una de ellas le decía a la otra que el Martes era el día. El Martes tendrían 2 películas en cine continuado, y para rematar su entusiasmo por el evento le dice a su amiga: "El Martes es el Lollapalooza del Bafici". No me podía perder eso!!, pensé, y no tenía ningún catalogo a mano para comprobar de que hablaban. Ya en mi casa busqué en el catálogo online la programación del día martes y comprobé que 2 de las películas que entendí estaban causando mas espectativas en el festival efectivamente las daban en continuado el martes por la noche.
Primero "20.000 Days on Earth" la película sobre Nick Cave, y luego "Only Lovers Left Alive" el regreso al Bafici de Jim Jarmusch. La apreciación de las chicas era correcta, el Martes sería el Lollapaliici, y allí quería estar.
20.000 Days on Earth me venía siendo esquiva, no me servía el horario o ya estaba agotada ni bien al entrar a pedir las entradas. Pero para el Lollapaliici si podría conseguir, porque me iba a esmerar en ello.
Finalmente pude verla y todo lo que puedo decir de ella es que fue una preciosura verla a pantalla de lado a lado en la sala mas grande del Village de Caballito, un placer para los sentidos, y de Nick Cave me quedo profundamente con su poesía, para la palabra cantada y para la palabra narrada, la parte de la narración literal es solamente interesante, la poética es sublime.
Only Lovers Left Alive es una película de un Jarmusch bien maduro, en donde sus preocupaciones por la muerte, por los sabores de la vida y sobre la calidad de las cosas antiguas, hacen de una anécdota sobre vampiros una película muy seria. La presencia escénica de Tilda Swinton como una vampira romántica paseándose por las noches de la cinematográfica ciudad de Detroit, filmada por la delicadeza de la cámara de Jarmusch, convierten la película en una imprescindible.
Ya terminada la noche me fuí a dormir con la misma sensación que me iba a la cama hace una semana atrás, cuando pensaba que esa sensación de saciedad que colmaba mi ser no la volvería a sentir hasta por lo menos dentro de un año. El Lollapaliici así como el Lollapalooza, no me había defraudado.
Julián

MANO NEGRA

NIGHT MOVES de Kelly Reichardt
Dakota Fanning ya no es una niña, y Jesse Eisenberg no es Mark Sukerberg.
Dakota Fanning no es la niña de E.T. aunque podría haberlo sido de haber nacido mas de 20 años antes, es mas, estoy seguro que Dakota Fanning hubiese sido la niña de E.T., arrastrando a Drew Barrymore al completo anonimato, salvándola así de esa adolescencia traumática.
Dakota Fanning mujer, podría interpretar la película sobre la vida de Camila Speziale. Pero eligió hacer esta otra, de Kelly Reichardt, interpretando a una activista mucho menos célebre, o mejor dicho, tristemente anónima, cuyo paso por el mundo no será recordado por nadie, y cuyo intento por salvar al planeta de la catástrofe natural creada por los intereses de las corporaciones poderosas, termina en una pena para el olvido.
Jesse Eisenberg ya no es Mark Sukerberg, ahora es un activista que lucha contra los intereses de gente como Mark Sukerberg, que está en contra que las nuevas generaciones crezcan adulando internet, sus tablets y sus ipods. Si, es un personaje tan tenebroso como Sukerberg, pero mucho mas ingenuo y definitivamente un loser. ¿Como imaginar una pelicula de Kelly Reichardt sin un loser de protagónico?
En un plano definitivo de la película, Josh (Jesse, no Mark), vuelve al campamento de la resistencia con unas pizzas y escucha la certeza de que Dakota Fanning ya no es una niña. Su líder bombardero, Peter Sarsgaard, parece estar en pleno coito con la ya mujer Dakota. Esto queda entendido por los sonidos de gemidos provenientes de dentro del sucio trailer perdido en el bosque. Asi es que Josh (que no es Mark), decide perderse en el bosque. Al sentir el contacto de sus manos contra la corteza de un arbol, comprueba al mirase sus palmas que estan negras, sutilmente negras. Los 3 mosqueteros no han puesto en marcha su plan ambientalista, pero a partir de ahí ya sabemos que Josh es capaz de cualquier cosa. Si bien la película comienza en presente, sin decirnos nada de su pasado, ahora tenemos la certeza de que sus manos están sucias.
Julián

DOOWYLLOH

LOS ANGELES Plays Itself - de Thom Andersen.

DOOWILLOH, es el título de mi libro fotográfico el cual viajé para producir en Los Angeles justamente 2 años atrás, en Abril del 2012.
En él, retrato locaciones reales de películas de Hollywood. El nombre del título viene por la foto de tapa, que es justamente una foto del sign de Hollywood pero visto desde atrás con una vista de Los Angeles hacia el horizonte, y al verlo de ése modo, uno tiene la sensación de leerlo del revés. Pero no solo una ilusión óptica puso el título de mi libro, sino una cuestión mas conceptual. doowylloH significa para mi una manera de retratar el cine de Hollywood desde una mirada extranjera, ilusa e ignorante. Una manera de sentir que esos lugares representan esas películas, desde la mirada de una persona sentada en el cine a miles de kilómetros de distancia de ese lugar, pero sintiendo que estuve allí. Pero ese es el gran truco del cine, no solo por hacernos viajar de inmediato a lugares distantes sino también por hacernos creer grandes mentiras ficcionales, como si de verdad hubiese sido así.
Los Angeles Plays Itself es la otra cara de la misma moneda, el opuesto de mi proyecto, una película que deconstruye las locaciones de las películas pero desde una mirada interna. La película se toma 3 horas que fluyen sin necesidad de reacomodarte en la butaca para hacer un recorrido completo por la historia del cine de Los Angeles. Nos cuenta la historia de una ciudad a través de las películas, porque no hay otra forma de deconstruir Los Angeles que no sea a través del cine.
Si en mi proyecto una mirada extranjera intentaba comprender y asentar una idea general de la historia que el cine nos había vendido acerca de esa gran ciudad, en "Los Angeles Plays Itself" una mirada nativa nos hace comprender que la historia que Hollywood nos vendió a lo largo de décadas sobre esa metrópolis es todo una gran farsa.
Julián

#SELFIE

MISTAKEN FOR STRANGERS de Tom Berninger

Conocí a The National hace muchos años ya, mirando por la tele un programa de Jools Holland.
Junto con Editors, que también conocí mediante Jools Holland, me parecieron 2 bandas, cada una a su manera, que reinterpretaba un poco el sonido dejado por Joy Division. Es cierto, mirándolo ahora a la distancia, que de los 2 es Editors quien pretende mas continuar esa posta, es como una cosa de carácter transitivo, Editors se parece a Joy Division, y The National se parece a Editors. Entonces de Joy Division me voy a quedar con su nombre, en español algo así como "división alegría", porque esa sensación me dejó este falso documental sobre The National. Porque mas allá que por ciertos momentos Tom Berninger pretenda direccionar la cosa hacia un lugar mas de bajón o conflictos, todo es parte del mismo chiste.
La cosa es mas o menos asi, Matt Berninger, cantante y líder de The National, llama a su hermano, aprovechando que el resto de la banda está formada por 2 parejas de hermanos, pretendiendo completar este combo. Su hermano Tom los acompañará en una gira de 8 meses trabajando como plomo de la banda, y aprovecha sus virtudes como director de cine para filmar una película. A partir de ahí todo es este gran chiste, porque nuestro amigo Tom se pone como centro de la historia y hace girar todo devenir a través de su propia persona. El resultado no le es nada difícil ya que Tom es un personaje por demás bizarro y no tiene que hacer ningún esfuerzo para hacer de él mismo. Con la ayuda a escondidillas de la esposa de Matt, que filma todo el material de Tom que no sea "Selfie" consiguen un resultado por demás bizarro y divertido.
En la era del "Selfie" Tom Berninger, un absoluto loser en la vida real, consigue filmar un documental sobre "The National" en el que la banda es solo un bolo mayor, ya que en realidad todo la película es un gran "Selfie".
Julián

PASSA EL TREN / EL TREN PASA

CATALÀ__Vaig passar moltes hores a les estacions que em duien d'un cantó a l'altre de l'Europa que no coneixia, i que aleshores es disfrutava a peu plà, via enllà. Els low cost no estaven encara inventats. I en un d'aquests viatjes nocturs, en els millors trens del món que són els alemanys, des d'Augsburg vaig arribar a París, a Garde Du Nord. Claire Simon també hi arriba, queda esparverada amb la gent que pot passar cada dia per allà i decideix fer-ne un film. Una pel·lícula d'una dona ja madura però encara de bon veure, que està malalta de càncer. L'estació es converteix en seu limbo de camí a la clínica, on quedar-se ensimismada guaitant la vida passar. Guaitant els extranys. Trobant-se extranya a sí mateixa i desitjant no haber d'agafar el tren que la porti de nou cap a casa. I on per atzar coneix a un estudiant que està fent la tesi: l'estació com a nova vil·la global, atret per la multiculturalitat dels seus treballadors i habitants. 
Així passava jo les hores a les estacions de München, Koln, a les estacions perdudes de pobles fantasmals de l'Alemanya profunda amb noms impronunciables, de matinada, esperant altres trens que ens duguéssin cap a una altra banda. Les estacions, llocs aliens, amb gent iluminada per les llums dels trens, les xispes de les vies, i vides turmentoses. Estacions contingents de fantasmes, creant nous continents amb gent d'aqui i d'allà que conflueixen en un pupurri ensomiador i gairebé de malson, on cadascú viu com pot, on cadascú fa el que pot. Així és Gare Du Nord, i és que el tren de la vida no espera, el tren passa i si no l'agafes, no vas enlloc. 


ESPAÑOL__Pasé muchas horas en las estaciones que me llevaban de un lado a otro de la Europa que no conocía, y que entonces se disfrutaba a pie llano, vía a través. Los low cost no estaban todavía inventados. Y en uno de ésos viajes nocturnos, en los mejores trenes del mundo que son los alemanes, desde Augsburg llegué a Paris, a Gare De Nord. Claire Simon también llega, queda anonadada con la gente que puede pasar cada día por ahí y decide hacer un film. Una película de una mujer ya madura pero todavía de buen ver, que está enferma de cáncer. La estación se convierte en su limbo de camino a la clínica, donde quedarse embobada, viendo pasar la vida. Repasando con la mirada a los extraños. Encontrándose extraña a sí misma y deseando no tener que agarrar el tren que la lleve de nuevo a su casa. Y donde por azar, conoce a un estudiante que está haciendo la tesis: la estación como nueva aldea global, atraído por la multiculturalidad de sus trabajadores y habitantes. 
Así pasaba yo las horas en las estaciones de München, Koln, en las estaciones perdidas de pueblos fantasmales de la Alemania profunda con nombres impronunciables, de madrugada, esperando otros trenes que nos llevaran a otro lado. Las estaciones, lugares ajenos, alienados, con gente iluminada por las luces de los trenes, las chispas de las vías y vidas tormentosas. Estaciones contingentes de fantasmas, creando nuevos continentes con gente de aquí y de allá que confluyen en un pupurri ensoñador y casi de pesadilla, donde cada uno vive como puede, dónde cada uno hace lo que puede. Así es Gare Du Nord, y es que el tren de la vida no espera, el tren pasa de largo y si no lo tomas, no vas a ninguna parte. 

 

Estació de München, Deutschland. 2001. 

Senyalitzacions d'un pas a nivell a Augsburg, Deutschland. 2001

EL COMETA HALLEY

COHERENCE de James Ward Byrkit

Que pasaría si el mundo se detuviese y los únicos habitantes disponibles son muchas versiones de tu mismo?
Es probable que yo, le asigne a ellos las tareas desagradables. Y lo conseguiría haciendome el distraído convencido que alguna de mis otras versiones se encargará del tema.
Problemas de la convivencia entre realidades paralelas: Todas esas versiones de tu mismo siempre son tu mismo, no es que sean otros iguales a ti. Con lo cual todos tienen  tu misma experiencia de vida y piensan como tú. Así que, cualquier cosa que hagas para sacar ventaja, ellos también la pensaron antes o después.
El resultado?: Una catástrofe.
Es imposible convivir con tus realidades paralelas.
Imaginá que esto mismo sucede, pero justo en la noche que te juntas a cenar o de festejo con 10 amigos tuyos. Ya no estás solo en la tierra con tus realidades paralelas, sino que con las 10 realidades paralelas de todo tu grupo de amigos. 
Este efecto metafísico es producido por el paso de un Cometa cerca de la órbita de la Tierra. Desatando así, un sinfín de eventos que solo la Física Cuántica no puede explicar.
Así que si un Cometa se avecina, arrodillate a rezar que se estampe contra la tierra sin darte tiempo para una ultima foto, porque si solo pasa cerca, la catástrofe va a ser aún peor.
Julián

COMENÇA EL 16è BAFICI / EMPIEZA EL 16o BAFICI

CATALÀ__Com cada any a l'abril, arriba la tardor. Tardor? no, la primavera. No, la tardor... i sempre amb la mateixa dicotomia, per moments gairebé esquizofrènica, de ben bé no saber què arriba, torna el BAFICI. Buenos Aires Festival Internacional de Cinema, per qui encara no hagi llegit les notres (meves i d'en Julián) cròniques cinematogràfiques des de l'atre costat del bassal (o des d'aqui mateix pels catalans a l'Argentina). Un any més, continuarem escrivint sobre el cinema que en els darrers dies ens farà tenir els ulls oberts, hores i hores. La nostra fita: una quarentena de pel·lícules diverses, d'autors consagrats i no tant consagrats, que ens han copsat l'atenció d'un programa de més de 400 títols, pel seu aspecte independent (bé, això és inherent del propi festival), la seva estètica a través del visionat del tràiler, la seva sinòpsis, la seva valua festivalera o recomanacions diverses. 
Estigueu doncs atents a les nostres amables, disteses i sinceres cròniques, que no crítiques. Benvinguts!

ESPAÑOL__Como cada año en abril, llega el otoño. Otoño? no, la primavera. No, el otoño... y siempre con la misma dicotomía, por momentos casi esquizofrénica, de no saber muy bien qué es lo que llega, vuelve el BAFICI. Buenos Aires Festival Internacional de Cine, para aquellos que aún no habéis leído nuestras (mías y de Julián) crónicas cinematográficas desde el otro lado del charco (o desde aquí mismo, a los lectores bonaerenses). Un año más, estaremos escribiendo sobre el cine que en los próximos días nos hará tener los ojos abiertos, horas y horas. Nuestra meta: una cuarentena de películas diversas, de autores consagrados y no tanto, que nos han llamado la atención de un programa de más de 400 títulos, por su aspecto independiente (bueno, eso es inherente del propio festival), su estética a través del visionado del trailer,  su sinopsis, su valía festivalera o recomendaciones diversas. 
Estad pues atentos a nuestras amables, distendidas y sinceras crónicas, que no críticas. Bienvenidos!

Ushuai és l'únic a qui no li agrada la idea. 40 pel·lícules? massa temps sol a casa! 

PELUIX ADOLESCENT / PELUCHE ADOLESCENTE

CATALÀ__El pas previ a l'edat adulta és l'adolescència. Com el pas previ a una bronquitis és tenir 38 de febre mentre mirava Animals, de Marçal Forés. Però tot i la febre, calia veure aquesta fàbula teenager, de gènere adolescents incompresos que recorda pel·lícules de factura Gus Van Sant o Larry Clark. Però aquí ens afrontem a una altra cosa, un relat més íntim i fet a casa nostra apuntant a una projecció internacional (més de la meitat del film està en parla anglesa), d'un personatge desvalgut que només (gairebé) parla amb el seu ós de peluix. En Deerhoof, així es diu el seu company inseparable d'aventures, és collonut. Ell si que és cool. És atent i comprensiu i entén que el seu amo/amic no vulgui desempallegar-se de tanta comprensió, amor i companyia encara que a vegades el faci parar mig boig. Perquè ell, en Pol, ja és gran per parlar amb el seu ós de peluix. Però i què? és el seu millor amic i sempre té una pua que guarda a l'interior del forro de peluix, a punt, per deixar-li quan comença a tocar la guitarra. Deerhoof toca la bateria. Són inseparables, fins a un punt que es torna del tot malaltís. Una malaltia, la de fer-se gran i afrontar la vida adulta, que no es pot suportar ni assumir, perquè assumir-ho vol dir deixar-lo de banda, a ell, al seu amic de peluix. En Deerhoof no es mereix que el llencin lligat a una pedra daltabaix del pont, per morir ofegat al llac. En Pol no ho vol, jo tampoc! Molts ens sentim identificats, amb aquest osset tendre, preciós i amable de veu robòtica i una mica maldestre, de peluix. I cada cop ens endinsem més en aquest bosc per on passegen mentre parlen de la vida i on s'enfronten amb les seves pors (gossos bordadors, amic adolescent obsessionat amb tallar braços amb el cúter...), i endinsar-nos al món contradictori d'en Pol amb aquest entramat de tensió sonora magistral, gràcies a un disseny de so impecable i una fotografia absorbent, climàtica, que ens deixa al limb adolescent. I és que parlant amb el director del film, es veu en ell la projecció del protagonista mateix. I tot i la seves respostes ràpides i sornegueres davant d'un públic colpit i destarotat pel que ha vist, a mi em sembla sentir que encara tinc un ós de peluix assegut al meu costat. I enllà va marxar ell, en Marçal, després d'una afable xerrada de català a català, agafat de la mà del seu ós de peluix de camí a alguna festa d'acreditats que, uns metres enllà se'n va desdir d'assistir. Me l'imaginava més tard estirat al llit de l'hotel, amb en Deerhoof al costat. I jo, vaig aconseguir fer-li la foto a l'actor més guapo del festival: el peluix adolescent. 

ESPAÑOL__El paso previo a la edad adulta es la adolescencia. Como el paso previo a una bronquitis es tener 38 de fiebre mientras miraba Animals, de Marçal Forés. Pero aún y la fiebre, hacía falta ver ésta fábula teenager, de género adolescentes incomprendidos que recuerda a películas de factura Gus Van Sant o Larry Clarck. Pero aqui nos afrontamos a otra cosa, un relato más íntimo y hecho en Catalunya apuntando a una proyección internacional (más de la mitad de la película es en habla inglesa), de un personaje desvalido que sólo (casi) habla con su oso de peluche. Deerhoof, así se llama su compañero inseparable de aventuras, es cojonudo. Él si que es cool. Es atento y comprensivo y entiende que su amo/amigo no quiera deshacerse de tanta comprensión, amor y compañía aunque a veces lo haga volverse medio loco. Porque él, Pol, ya es grandecito para hablar con su oso de peluche. Pero ¿y qué? es su mejor amigo y siempre tiene una púa que guarda en el interior del forro de peluche, a punto, para dejársela cuando empieza a tocar la guitarra. Deerhoof toca la batería. Son inseparables, hasta el punto que se vuelve del todo enfermizo. Una enfermedad, la de hacerse mayor y afrontar la vida adulta, que no se puede soportar ni asumir, porque asumirlo quiere decir dejarlo de lado, a él, a su amigo de peluche. Deerhoof no se merece que lo tiren atado a una piedra por el puente, para morir ahogado en el lago. Pol no lo quiere y yo tampoco! Muchos nos sentimos identificados con éste osito tierno, precioso y amable de voz robótica y medio torpe, de peluche. Y cada vez nos adentramos más en éste bosque por dónde caminan mientras hablan de la vida y dónde se afrontan con sus miedos (perros ladradores, amigo adolescente obsesionado con cortar brazos con el cúter...), y adentrarnos en el mundo contradictorio de Pol con éste entramado de tensión sonora magistral, gracias a un diseño de sonido impecable y una fotografía absorvente, climática, que nos deja en el limbo adolescente. Y es que hablando con el director del film, se intuye en él la proyección del protagonista mismo. Y aún sus rápidas respuestas delante de un público tocado y desorientado con lo que ha visto, a mi me da la sensación de sentir que todavía tengo un oso de peluche sentado a mi lado. Y allà se fue él, Marçal, después de una afable conversación en catalán, cogido de la mano de su oso de peluche de camino a alguna fiesta de acreditados a la cual, unos metros más allá, decidió no asistir. Me lo imaginaba más tarde tumbado en la cama del hotel, con Deerhoof a su lado. Y yo, conseguí hacerle una foto al actor más guapo del festival: el peluche adolescente. 

REMIX

Fui a ver Berberian Sound Studio en el mismo momento que la estaban premiando como mejor película. Por supuesto, yo no sabia que esto estaba sucediendo porque estaba adentro del cine, y en Belgrano. Quizá este detalle no menor sea el que me motivó a escribir una crónica sobre esta película.
Lo que mas disfruté de esta película sin dudas es el sonido, y no es para menos. Ya desde el título y la propuesta nos avisa que debería haber una especial atención en el trabajo de la banda sonora. Y no defrauda. Porque al sonido lo complementa con imágenes en un proceso inverso al que estamos acostumbrados a ver y trabajar. Generalmente "imaginamos", como la palabra lo sugiere, esa imagen, y luego, cuando ya estamos en la etapa final, nos acordamos que hay que ponerle un sonido. Aqui parten del sonido, pero como no se le puede poner una imagen al final, la imagen para eso está previamente imaginada. Así es como para un sonido de una cabeza que se quiebra de un golpe certero, tenemos una imagen de una sandía explotada con un golpe de bate. De ese modo pasan imágenes de frutas y verduras rotas de diferentes formas para poner imagen a todos esos sonidos terroríficos propios del horror mismo. Y a pesar de contarnos todo el tiempo el truco sonoro sin mostrarnos las imágenes de la película original, el resultado es aún mas terrorífico. Nos horrorizamos mas con esa sandia brutalmente asesinada que con lo que debería estar pasando en realidad. Y así lo siente Gilderoy, el personaje protagonista. Un sonidista inglés que es contratado para mezclar el sonido de una película de horror en Italia. Y en medio de esta cantidad de capas de sonido e imagen está Gilderoy, y todo de a poco se pone mas denso y mas deforme, hasta lo insoportable. Y allí es dónde se aparece en mi cabeza el fantasma del genio creador de este subgénero experimental, David Lynch. Es cierto que David está muy vivo y en plena forma, por lo que hacerle homenajes aún no cuenta, y su marca personal es tan pero tan personal como imposible imitarlo. Pero a pesar de esto Berberian Sound Studio sale muy bien parada, porque además tiene muchas mas cosas para separarse y definirse a sí misma. Me alegro mucho de esta decisión del jurado.

ÉRAMOS TAN OSCUROS

"I use to be darker", de Matt Porterfield.
El cine "indie" "Americano" es sin dudas de los tipos de cine que mas me gustan. Esto no es una convicción o una declaración de gustos, simplemente así sucede. Quiero decir, no ando por las programaciones de festivales ni buscando en I-sat una película Indie americana antes que cualquier otra, pero cuando me las encuentro, me gustan siempre, o casi siempre. Lo mismo me pasa con la música. Es cierto que la música inglesa me gusta mucho, y las bandas que mas me gustan de la historia son inglesas, pero la música indie americana me puede y mucho. Buscando un caso ejemplar encuentro a Beach House, que no por casualidad estoy escuchando mientras escribo esta crónica. Y trazando un paralelismo de la música al cine llego directamente a "I use to be darker". ¿Porque?. Porque la Beach House puede ser tranquilamente una casa en la costa de Ocean City, en Maryland, dónde comienza la historia de la película. Porque los  Beach House son de Baltimore, en Maryland, mismo escenario dónde transcurre la película. Y siguiendo con los paralelismos, Kim Taylor, la protagonista, hace de ella misma con su banda de música Indie Americana. Pero tranquilamente la película puede estar protagonizada por Victoria Legrand, la cantante de Beach House. Y los momentos mas emotivos de la película vienen precisamente de la mano de las performances en solitario o en vivo de Kim Taylor, y con las letras de estas canciones uno comprende perfectamente el significado de la película. Sus letras hablan de la película, la desgarran desde sus entrañas. Y hablan de ese lugar: "America", ese termino tan grande y tan general que usan los estadounidenses para referirse a su propio país, como si el resto de  America no fuera América. Y en ese término es donde las letras de Kim Taylor desgarran el concepto. He visto muchas películas de autores estadounidenses, como Jim Jarmusch por ejemplo, retratar el lado B del "Sueño americano". Casi siempre con personajes al margen de la ley, "outsiders", que retratan el lado mas oscuro del sueño americano. Personajes que no tienen nada, nada que soñar, nada por lo que luchar y siempre están a contramano. "Wendy and Lucy" de Kelly Reichardt o cualquier otro film de la misma directora. Pero aqui no hay outsiders, aqui hay clase media o abc1. Gente que sigue el sistema, el sistema americano. Pero allí están las letras de Kim, para intentar poner un poco de claridad entre tantos deshaucios. Y para dejar en claro que esa palabra "América" que no ha vendido Hollywood durante tanto tiempo no es ese paraíso en el que solo quedan afuera los miserables de Jim Jarmusch. Sino que le puede pasar también a cualquier abc1.

PEDRA, PAPER, TISORA / PIEDRA, PAPEL, TIJERA

CATALÀ__Començaré pel final, i acabaré pel principi, gràcies a la meva encara no alleujada bronquitis. Però no em podia perdre un final apoteòsic de festival (si, la última pel·lícula!) de la mà del gran mestre, en Kiarostami. I embolicada entre robes diverses vaig sortir corrents cap al cinema, ometent despiatadament el que el metge m'havia dit que fés i lluitant a pulmó contra la tos, a les fosques. 

Recordo amb emoció grans moments de la meva vida cinematogràfica badant embadalida amb una moto que en la llunyania entre els revolts d'un camp d'oliveres, anava venint sinuosa, amb calma, amb pausa, amb poesia visual i gran bellesa. Personatges que dialogàven amb els protagonistes fora del camp de la nostra visió o personatges que desitjaven, d'una manera molt poètica morir d'una vegada, entre cirerers. Aquest cop el viatge ens porta a Japó, i afortunadament en aquest país estrany, Kiarostami torna a trobar-se a sí mateix. Hi ha a Like someone in love moments estel·lars, on tota l'essència del director iranià re-apareix, allunyada d'ocells que entren i surten de quadre a 10 on ten, actrius mirant pantalles de cinema a Shirin... o la Copie Conforme no tan experimental però no tan Kiarostami com aquesta darrera (totes, però, m'encanten!). Però parlem d'aquesta. Parlem del que m'agrada d'en Kiarostami, que és la manera com, tot conflueix. La manera com, sense saber com però de manera penetrant, de cop i volta un cotxe es converteix en recipient de confidències, de xerrades i conflictes. De manera majestuosa van creuant davant del personatge: ponts, ratlles, zigazagues que pinten la imatge reflexada sobre els nostres protagonistes, que no saben on els conduirà l'amor, però que volen ser estimats. Tan se val si és pagant per ser estimats, o bé sigui buscant l'amor ideal, o essent sotmesos a tal. Tots són algú, enamorats. Una pel·lícula planera, però alhora molt trascendental. I així ens ho diu el nostre vellet protagonista, que tot conduint, escoltant i donant els seus savis consells des de l'experiència, comença a cantar "qué será será...whatever will be, will be..." Perquè si, perquè no es pot dir mai el que el futur ens revelarà. Però l'amor a vegades fa més mal que bé. L'amor és egoísta, inmoral, mesquí, manipulador, controlador, asfixiant, contradictori, brutal i assasí. Però cal ser estimat, jugar al joc de l'amor i veure com et surt: paper (de regal, un amor embolicat que dóna gust o també amor pla, avorrit, per escriure amb linies o a quadrets...que seria la noia protagonista), tisores (que no té raó de ser, que cal tallar com sigui com el noi que pretén lligar per sempre a la noia) o pedra (que et pot deixar com el vell protagonista, ben estabornit i liquidat). 

(ostres!!!! acabo de veure el tràiler i exemplifica perfectament la meva crònica!!! imperdible pel·lícula! ) 

ESPAÑOL__Empezaré por el final, y acabaré por el principio, gracias a mi todavía no aliviada bronquitis. Pero no me podía perder un final apoteósico de festival (si, la última película!) de la mano del gran maestro: Abbas Kiarostami. Y envuelta entre ropas diversas me fui corriendo al cine, omitiendo despiatadamente lo que el médico me había dicho que hiciera y luchando a pulmón contra la tos, a oscuras.

Recuerdo con emoción grandes momentos de mi vida cinematográfica embobada con una moto que en la lejanía, entre las curvas de un campo de olivos iba viniendo sinuosa, en calma, con pausa, con poesía visual y gran belleza. Personajes que dialogaban con los protagonistas fuera del campo de nuestra visión o personajes que deseaban, de una manera muy poética morir de una vez, entre cerezos. Ésta vez el viaje nos lleva a Japón, y afortunadamente en éste país extraño, Kiarostami vuelve a encontrarse a sí mismo. Hay en Like someone in love momentos estelares, donde toda la esencia del director iraní re-aparece, alejada de pájaros que entran y salen de cuadro a 10 on ten, actrices mirando pantallas de cine en Shirin... o la Copie Conforme no tan experimental pero no tan Kiarostami como ésta última (todas me gustan de todos modos!). Hablemos pues de ésta. Hablemos de lo que me gusta de Kiarostami, que es la manera cómo, todo confluye. La manera cómo, sin saber muy bien como pero de manera penetrante, de repente un coche se convierte en recipiente de confidencias, de charlas y conflicto. De manera majestuosa van cruzando delante de los personajes: puentes, rallas, zigzags que pintan la imágen reflejada sobre nuestros protagonistas, que no saben en definitiva dónde los conducirá el amor, pero que quieren ser amados. Tanto da si es pagando para ser amados, o bien es buscando el amor ideal, o siendo sometidos a tal. Todos son alguien, enamorado. Una película senzilla, pero a la vez muy trascendental. Y así nos lo dice nuestro viejecito protagonista, que mientras conduce, escuchando y dando sus sabios consejos desde la experiencia, empieza a cantar "Qué será será...whatever will be, will be..." Porque sí, porque no se puede decir nunca lo que el futuro nos revelará. Pero el amor a veces hace más mal que bien; el amor es egoísta, inmoral, mezquino, manipulador, controlador, asfixiante, contradictorio, brutal y asesino. Pero hace falta ser amado, jugar al juego del amor y ver cómo te sale: papel (de regalo, un amor envuelto que da gusto o también un amor plano, chato ,aburrido, por escribir con lineas o con cuadrícula..., como la chica protagonista), tijera (que no tiene razón de ser, que hay que cortar por lo sano, como el chico que pretende atar para siempre a la chica) o piedra (que te puede dejar como el viejo protagonista, bien KO y liquidado).

(ostras!!!! acabo de ver el tráiler y ejemplifica perfectamente mi crónica!!! imperdible película! ) 

RADIACTIVIDAD ACTIVIDAD RADIAL

En mis primeros años de secundaria recuerdo que sonaba con mucho éxito una banda Argentina que se llamaban "Los Helicópteros", que además de cantar en su gran hit "Fabio Serpa tiene razón, hay marcianos entre la gente...", en otro de sus hits cantaban "radioactividad actividad radial". Es cierto que en esa época muchas bandas Argentinas no habrían tenido éxito, o no habrían tenido tanto tanto éxito si no fuera porque estábamos blindados a la cultura exterior.
El que no estaba blindado es el reactor Ruso, o en la actualidad lo que fue alguna vez Rusia, que hace de disparador para el tema central de esta película: Metamorphosen de Sebastien Mez.
Los niveles de radioactividad que se encuentran en la zona son muy altos, sobre todo muy cerca del río, y las aguas mismas del río están completamente contaminadas de radiación. El joven Alemán director de esta película se compromete con la causa y convive durante meses en las casas de los lugareños para poder ganar su confianza y conseguir filmarlos. Él asegura que muchos periodistas se acercan al lugar para entrevistarlos o hacer un informe sobre la causa, por lo cual ellos ya desconfían de las intenciones de cada uno que se acerca con una cámara y ya no quieren colaborar. "Para qué quieren seguir filmándonos si nunca hicieron nada por nosotros". Pero Sebastien Mez tiene una estrategia para poder conseguir su confianza, y para ello tendrá que aceptar que va a correr serios riesgos de contaminación.
El resultado de lo que consigue es el de alguien que sabe muy bien lo que hace y muy bien lo que quiere. Los principales aciertos del director son estéticos, y la verdad es que esta película no funcionaría sin esa enorme decisión. 
La película funciona a la perfección como una serie fotográfica de museo. Cualquier fotógrafo que se dedica al retrato de temas sociales, o el mismísimo Richard Avedon tal vez,  quizá no consiga una exposición tan buena como lo que consigue esta película. Es alquimia entre fotografía y cine. Esos enormes retratos en HDR y Blanco y Negro, adquieren una fuerza en la sala oscura que no hubieran conseguido en ninguna pared de museo. 
Creo que de todas las ocasiones en las que he sentido que puede haber un puente entre estas 2 artes, ésta ha sido sin dudas la mas lograda. Sobre todo porque Sebastien no se apoyó en ningún plantel de profesionales y técnicos para filmar esta película. Lo hizo él solo con una asistente. Así que su método de producción es igual al de cualquier fotógrafo de retrato social.
Una película imperdible para los amantes de las 2 artes.

TIME IS ON MY SIDE

The end of Time de Peter Metler.
Vi "Picture of Light" en una restrospectiva de Metler hace ya 10 Baficis, en el 2003. No lo podía creer cuando el propio Metler lo mencionó presentando la película, ya pasaron 10 años!!!, si Julián, el tiempo pasa, y pasa rápido, como dijo un personaje de la película: "los dias parecen eternos y los años se te vuelan". 
Recuerdo que en ese entonces me enamoré inmediatamente del cine de Metler. La propuesta de Picture of Light era sencilla: el propio Metler viajaría desde Toronto hasta el norte de Canadá a filmar la aurora boreal. Recuerdo nunca haber disfrutado tanto de un viaje y tampoco haber colmado tanto mis enormes expectativas al ver finalmente esa famosa aurora boreal que nos promete toda la película. La propuesta de "The end of Time" es mucho mas compleja, tan compleja como que hay 2 millones de maneras de abordarla. ¿Que es el tiempo?, ¿Existe realmente el tiempo?, una pregunta muy filosófica. Todos los humanos le tememos al tiempo, simplemente por que es finito. Se me viene a la cabeza una frase de Borges: "Los seres humanos somos los únicos que tenemos conciencia que vamos a morir". El tiempo es relativo según Einstein, y razón que tenía porque el tiempo que duró la película fue distinto para mi que para el resto, porque me dormi un buen trozo y perdí la noción de tal. No sabía cuanto tiempo había estado dormido, creo que eso me hizo reflexionar mas sobre la relatividad del tiempo que la propia película, obvio, que si no estuviera mirando esta película no me habría puesto a reflexionar sobre tal tema. 
Recuerdo que cuando era chico me asustaba pensar en el Universo, me asustaba mucho. Tanto que tenía que esforzarme por dejar de pensar en ello para salir del estado de crisis en el que entraba. Me asustaba porque pensaba en dónde terminaría, que tenia que terminar, algo simplemente no puede no terminar, pero pensaba que donde terminaba empezaba otra cosa, y esa otra cosa tenía que terminar, y así sucesivamente, porque si bien no me imaginaba que algo no termine, tampoco me podia imaginar la nada. Y tratar de imaginar la nada era lo que me aterrorizaba. Con el tiempo pasa lo mismo, en algún momento tuvo que empezar, pero antes había algo, y el tiempo sigue avanzando por mas que ya no estemos, pero en algún momento tiene que terminar. La película si terminó, y con unas presentaciones de Power Point que se podía haber ahorrado, como "The tree of life" de Terrence Malick.  Pero lo perdono a Metler, (no a Malick) porque no defrauda y estuvo a la altura de la complejidad del tema.
El tiempo no perdona a nadie, así que mejor , como decía el gran poeta Mick Jagger, pongámonos de su lado.

BIODRAMINA

CATALÀ__Buf. Si, ho reconec: m'he adormit una miqueta cap al final, a la primera pel·lícula que he vist del festival. Pensareu que l'estrena ha sigut estrellada. Ans el contrari, hi he disfrutat com peix a l'aigua, mai millor dit. He patit amb les meves pròpies carns (bé, no va de carn, va de mar) el que és ser pescat a alta mar per un pesquer americà. I és que mirant Leviathan, he sentit el que és ser un peix. Un peix esclafat entre un munt d'amics, de semblants, que un dia surten a nedar i acaben espaterrats de cap per amunt a la coberta d'un vaixell guarrindongu, pudent, regalimant sang i fetge al més rotllo gore style. Ser un peix amb tots els detalls: pescat, escapçat i classificat. Però també he nedat entre gavines, mentre entraven fugaces a picotejar els troçets de peix que llençaven per la borda un cop l'escabetxina estava consumada. I també m'he penjat del pal de la proa mentre entrava i sortia del mar, en un intent ben real d'agafar-me ben fort al pal per no caure al mar i ser "atropellada" pel pesquer navegant. Imatges aclaparadores, desbordants. I de tant vaivé d'onades m'ha agafat un mareig descomunal. Tot era ona, i aigua que m'esclafia contra les orelles, compaginant una tremenda i impecable banda de so de mareig estrepitós (molt i molt ben feta, donava una sensació impecable d'immersió, de tant en tant submarina, de tant en tant marinera). I quan per fi ha arribat la calma, a la cabina d'un mariner, també cansat i desbordat de tanta feina i tanta onada que mirava la tele....i el pla era tan fix, tan serè, tan plàcid que guaitant els detalls d'aquell mariner barbut, panxut, desfet de mar i de sal, tatuat amb una sirena al braç, imaginant-lo la resta del temps que no passa a alta mar segurament damunt d'una Harley navegant per la Route 66.... i que li ha agafat son i lluitava contra corrent, que s'ha adormit... i jo també, però només una mica per descansar els ulls del mareig; de cop i volta el cantar de les sirenes m'ha fet tornar, per veure com les xarxes, ja buides de víctimes, ballaven submergides amb un tou d'estrelles de mar juganeres que flotaven entre aigües ara cap aquí ara cap allà. Si, sóc un peix nedant amb la corrent. Hagués calgut però, prendre'm una Biodramina!

CASTELLÀ__Buf. Si, lo reconozco: me he dormido un poquito hacia el final, en la primera película que hemos visto del festival. Pensareis que el estreno ha estado estrellado. Pero todo lo contrario he disfrutado como pez en el agua nunca mejor dicho. He sufrido en mis propias carnes (bueno, no va de carne, va de mar) lo que es ser pescado en alta mar por un pesquero americano.Y es que mirando Leviathan he sentido qué es ser un pescado. Un pez chafado entre un montón de amigos, de semejantes, que un día salen a nadar y acaban panza arriba en la cubierta de un barco pesquero guarrindongo, putrefacto, chorreando sangre y vísceras al más rollo gore. Se un pez con todos los detalles: pescado, decapitado y clasificado. Pero también he nadado entre gaviotas, mientras entraban y salían fugaces a picotear los trocitos de pescado que tiraban por la borda una vez la escabechina estaba consumada. Y también me he colgado del palo de la proa mientras entraba y salía del mar, en un intento bien real de agarrarme bien fuerte al palo para no caer al mar y ser "atropellada" por el pesquero navegante. Imágenes culpidoras, desbordantes. Y de tanto vaivén de olas me ha pillado un mareo descomunal. Todo era ola, y agua que irrompia contra mis oídos, compaginando una tremenda y impecable banda de sonido de mareo estrepitoso (muy y muy bien hecha, daba la sensación impecable de inmersión, de tanto en cuanto submarina, de tanto en cuando marinera).  Y cuando por fin ha llegado la calma, en la cabina de un marinera, también cansado y desbordado de tanto trabajo y tanta ola que mirava la tele....y el plano era tan fijo, tan sereno, tan plácido que mirando embobada los detalles de ése marinero barbudo, barrigón, desecho de mar y de sal, tatuado con una sirena en el brazo, imaginándolo el resto del tiempo que no pasa en alta mar seguramente subido a una Harley navegando por la Route 66... y que le ha pillado el sueño y él mismo luchaba contra corriente, que se ha dormido... y yo también, pero sólo un poco para descansar los ojos del mareo. De golpe el canto de las sirenas me ha hecho regresar, para ver cómo las redes, ya vacías de víctimas, bailaban submergidas con un montón de estrellitas de mar juguetonas que flotaban entre aguas ara hacía aquí ahora hacía allá. Si, soy un pez nadando con la corriente. Tendría pero que haber tomado una Biodramina!! (léase el post de Julián, aqui en Argentina conocido como Dramamine!).

DRAMA MINE.

ESPAÑOL__Si uno pone en el google translate, para traducir del ingles al español, Drama Mine, la traducción sería:
Drama de las minas. Si le preguntas a cualquiera, incluso a ellas mismas, cual es el drama de las minas, respondería la menstruación. Me estoy iendo por las ramas, y todo para presentar "Leviathan" de Lucien Castaing-Taylor y Verena Paravel. Estos directores me hicieron disfrutar hace 3 Baficis de "Sweetgrass", una gran peli que retrataba el oficio de unos cowboys encargados de trasladar un regimiento de ovejas durante el verano, en la última de estas prácticas antes de que luego de muchas décadas, deje de existir.
La película es muy parecida, desde el eje temático y la mirada de los directores, pero... aqui es dónde vuelvo a mi análisis del prólogo, tremendamente visceral.
La idea es sencilla, seguimos a unos pesqueros arriba de un barco que realiza pesca de arrastre.
Hasta aquí, pareciera un retrato similar al de Sweetgrass, pero aquí la cámara está puesta en otro lugar. Diríamos "dentro". Dentro de todo, de los peces, dentro del agua, dentro de los pescadores, dentro de las aves carroneras. La sangre destila por todos lados, como si el barco estuviese en el "Período". Y si... está en el período, pero en el período de pesca brutal. Desconozco el recurso técnico que utilizaron para crear estas imágenes, pero luce como si estuviese hecho con esas camaritas que venden ahora para deportes extremos, la GoPro. Así consiguen que estemos viajando en el cine en lugares imposibles, aterradores. Por momentos tenía la sensación que estaba viendo una película de Terror "gore" protagonizada por pescados. Viajámos en ese barco durante hora y media, y todo se movía al ritmo de la virulenta marea. En un momento me asomé un poco para verle la cara a Meritxell que noté se movía mucho, y ahí le hice un escaneo al resto de la gente que tenia al alcance de mi vista y los noté a todos poseídos , en diferentes poses raras, por la pantalla. Meritxell me dice: "Estoy muy mareada".
Los créditos comenzaron y luego, más imagenes. Todos se frenaron en dónde estaban antes de salir, para seguir poseídos un rato mas hasta que se prendieran las luces. Terminó y salimos, Meritxell haciendo eses. Luego fuimos al CCR en dónde está la sede para periodistas. En el camino, bordeando el cementerio, encuentro en el piso un blister, me dio a psicofarmacos así que miré de que se trataba. Efectivamente, era un blister de Valium y aún le quedaban 2 pastillas. Una para cada uno pensé, pero estábamos a mediodía y acabábamos de ver en función de Prensa la primera película de un largo festival. Si bien por momentos la película me dio a Terror "gore" protagonizada por pescados, no era para Valium. Entonces pensé: mas que para Valium está para Dramamine, y le digo a Meritxell que se me acercaba y alejaba con su "ese" clásica de una persona que se ha bajado de una calesita: me parece que junto con la entrada para esta película deberían darte una pastilla de Dramamine.

CUMPLE DE 15

CATALÀ__Ja en son 15. Quinze anys fa el Festival de Cinema Independent de Buenos Aires, el Bafici, i com és tradició al país, és una edat per celebrar. Celebren les noies el "cumple de 15" vestides d'adultes. Es vesteixen de blanc, com una núvia a punt de casar-se, perquè 15 són 15 i sembla que a aquesta edat ja han madurat. Així doncs, amb la seva maduració el Bafici es muda a un altre shopping de la ciutat, ben plè de banderoles de festa en una seu diàfana, blanca, que m'ha recordat un cumple de 15. En plè centre porteny, els Villages Cines Recoleta i la seu central al mateix Centre Cultural Recoleta. Madurat, establert, amb nom propi és cita indiscutible del cinema a Buenos Aires. Veurem què ens depara.... avui s'han posat a la venda les entrades, i el dia 10 d'abril allà hi serem, al cumple de 15!

ESPAÑOL__Ya son 15. Quinze años cumple el festival de cine independiente de Buenos Aires, el Bafici, y como es tradición en el país es una edad para celebrar. Celebran las chicas el "cumple de 15" vestidas de adultas. Se visten de blanco, como una novia a punto de casarse, porque 15 son 15 y parece que a ésta edad ya han madurado. Así pues con su maduración el Bafici se muda a otro shopping de la ciudad, bien lleno de banderitas decorado de fiesta en una sede diáfana, blanca, que me ha recordado un cumple de 15. En pleno centro porteño, los Villages Cines Recoleta y la sede central en el Centro Cultural Recoleta. Madurado, establecido, con nombre propio es cita ya indiscutible del cine en Buenos Aires. Veremos pues que nos depara... hoy se han puesto a la venta las entradas y el dia 10 de abril allí estaremos, en el cumple de 15!

ON THE ROAD, CAP A MAR

Encara falta un mes i escatx per l'inici del 27è Festival Internacional de Cine de Mar del Plata (MDP pels amics), però l'olor a mar ja comença a arribar-me des de Buenos Aires... Aquest any si, no hi faltarem; serem a vora mar per gaudir en pantalla gran, redactar cròniques suculentes i endinsar-nos en els viatges que el cinema ens proposa. La cartellera del viatge encara és un misteri, però en Pepe Sacristán ens conduirà al viatge inaugural, on ens durà a passejar des de Buenos Aires fins a Bolívia en un road movie dirigit per Javier Rebollo. Ja tinc ganes de carretera! El títol ("El muerto y ser feliz"), em fa caure una llàgrima, dicotomies de la vida diària... la mort i la felicitat... endavant doncs, carretera enllà, que la vida són quatre dies! Escalfem el motor, i posem-hi gasolina.

CONVERSACIONES CON ACUÑA

No es aquel jugador argentino que jugaba con la 10 de Paraguay, que supo ser jugador de Boca y triunfar en Independiente. Es el mismísimo Ezequiel, si ese que se estrello con un avión y ganó la competencia Argentina del Bafici del 2005, y que se fué de excursión en el 2009, y con él nos fuimos de excursión en un par de ocasiones para hacerle el afiche de la película. Ese Ezequiel que siempre nos encontramos por las mañanas mirando películas o como en el caso de hoy, peor aún, un domingo por la mañana!. Mientras ya no se vivía la euforia de todos los dias anteriores en dónde todos corrían desesperados a conseguir entradas y golpearse unos contra otros. En un domingo por la mañana de lluvia, que la paz reinaba en el Abasto gracias a la fiesta de la noche anterior que limpió de boludos la cola de las entradas. Y así fué como con mas tranquilidad nos dimos un rato más para hablar de la vida y bueyes perdidos, y claro, obviamente, y por supuesto, como no, de cine.

Separador Acuña mediante voy a hablar sobre películas. No en el orden en que las he visto ya que ya no me acuerdo.

Le Quattro volte, las 4 estaciones del año que mueren y nacen encarnadas en distintos seres vivientes. Empezamos muriendo con el último aliento de un viejo pastor para reencarnarnos en un cabrito abandonado a las inclemencias de un cruel invierno bajo un árbol que es usado como tronco para una vieja tradición del pueblo, y terminar troceado en un horno para hacer leña cuando finalmente... y si, del polvo venimos y al polvo vamos.

The Turin Horse, el apocalipsis según Bela Tar. No voy a hablar de la anécdota de Nietzsche porque ya la mencionaron en todos lados. Unos gusanos que ya no comen la madera luego de 58 años haciéndolo, un caballo que ya no quiere comer ni caminar, un pozo de agua que se seca repentinamente, unas papas hervidas que quedan crudas, la luz que ya no enciende, y, el viento, si... la crudeza de un viento que no quiere dejar de soplar. Y luego, el fundido a negro. Y el fundido a negro en una filmografía de un gran director que nos ha dejado grandes piezas de arte en esta disciplina a mitad de camino entre el arte y el entretenimiento. Pero con obras como la de Bela Tar estamos seguros de que el cine es arte, y ha ganado unos cuantos puestos para no quedar séptimo.

Anti Gas Skin y Essential Killing por duplicado. Ambas me las vi en la misma sala y una después de otra como en una maratón de Sitges. Porque tranquilamente podrían haber sido selección de maratón en Sitges. Y me fué muy útil haberlas visto como un continuado, porque me sirvió para darme cuenta el tipo de cine que me gusta y me gustaría hacer. Con Meritxell tenemos un concepto sobre la experiencia de ver cine en la sala oscura que aplicamos a nuestras películas tanto como expresión, como también en forma literal tal cual lo hacemos en “Cine al Fín”. De allí el nombre de nuestra productora “Travelling Films”. Dicha experiencia la consideramos como un viaje que empieza cuando se apagan las luces y termina cuando se encienden. Ese viaje tiene que ser inducido por las imágenes y la historia. La película debe hipnotizarnos y llevarnos de las narices a recorrer ese viaje del cual debemos disfrutar sin hacer ningún esfuerzo. Ahora, cuando unas cuantas veces tenemos que bajarnos a empujar el auto, el viaje se empieza a volver incómodo y la llegada a destino es lo único que llena nuestro deseo. Deseo, esa gran palabra que llena nuestros sueños y nuestros objetivos, es además un sentimiento, que cuando se está disfrutado desaparace, porque si todo esta bién en el viaje que nos encontramos, para que desear llegar mientras puedo llenar mi espíritu con el viaje.

Todavía me queda un par de películas por ver y muchas que no he comentado, algunas porque no vale la pena, y otras porque si bién me han gustado mucho, he carecido de creatividad para hablar sobre ellas.

Me despido hasta el próximo año, dejando todo en manos de su dueña y creadora, que he tenido que suplantar en una ocasión y me ha gustado tanto hablar boludeces sobre cine, que aquí me he quedado a vivir.

TODO BAJO CONTROL

El 26 de abril de 1986, hace exactos 25 años, se realizaban pruebas de "control" en la cual se simulaba un corte de suministro eléctrico en la central atómica de Chernóbil. Un pequeño incidente durante la prueba generó otro incidente, y antes de que amenezca ya era considerado accidente. Hoy 25 años después es considerada ¿la mayor catástrofe atómica de la historia?. Eso habría que preguntárselo a Japón y la verdad que nos están contando de la historia.

Porque luego de ver "Under Control" me queda bién en claro la monstruosa peligrosidad de la energía atómica sobre la salud de nuestro planeta.

La potencia de las imágenes de "Under Control" ya pueden por si mismas generar energía eléctrica para todo el planeta. Con un comienzo casi en registro "institucional" la película se va desformando de a poco hasta que las "máquinas" toman el control sobre los humanos. Que mieeedo!, más si las máquinas toman el control de la energía atómica. Esta es una idea que vengo elaborando desde mi tesis en la escuela de cine junto con mi amigo Eduardo "Q" Montalvo. Entonces si la teoría de mi amigo Montalvo, de Volker Sattel, y mi humilde aporte es cierta, con un mundo dominado por las máquinas, y la naturaleza dada cuenta de esto tomando medidas como la de Japón, me pregunto: que papel jugamos los humanos en este juego?

A METER EN LA LICUADORA

ESPAÑOL__Con mis viejos amigos de toda la vida, los de chico, los de mi barrio, fuimos elaborando a lo largo del tiempo un propio lenguaje, y lleva tanto tiempo ya en desarrollo que podría decir que ya estamos listos para editar el diccionario. Una de las cosas que siempre hicimos fue llevar un poco mas lejos el tema de los parecidos, juego al que seguramente todo el mundo ha jugado. Recuerdo una noche en un conocido bar francés del barrio de Retiro, en el que con un amigo casi nos tuvimos que escapar por la puerta de atrás porque con varias copas encima y acodados en una mesa de la cual no nos movimos, le habíamos encontrado parecido a todos los insomnes que habitaban el bar esa noche. Hasta que uno a uno se fueron dando cuenta de que nos reíamos en su cara y sin pudor los señalábamos directamente a su rostro.
Fue entonces que inventamos la "licuadora". Allí preparábamos nuestros propios tragos de parecidos, y a la coctelera arrancábamos poniéndole un 50% de "Castromán", por ejemplo y le ibamos sumando porcentajes de diferentes parecidos, hasta que lo terminábamos con 2 hielos del que solo un par de facciones le daban el parecido final. Esos Frankestein que creábamos eran personajes reales, que cruzábamos en los bares, la calle, un colectivo, en el cine, o dónde sea.
Se me ocurrió ahora, no buscarle parecidos a las películas con otras porque eso sería muy fácil en el cine de hoy, sino, meter las películas directamente en la licuadora y sacar una nueva película de todas ellas. Aver, si arrancara con un 50% "Attenberg", y lemezclara porcentajes parecidos hasta completar su 100% de: "Hahaha", "Lenz", "The good life". Y la terminara con 2 hielos de "Le premier venu". Batimos bien el cóctel y lo vertimos en un trago largo... podría decir que me quedó un trago de... mmmm... una de Lars Von Trier?

ORIGINALMENT COPIADA / ORIGINALMENTE COPIADA

CATALÀ__M'han dit que l'ha feta igual, però jo no he vist pas l'original. Així que puc dir amb certesa que m'és una Copie Conforme. Kiarostami sempre serà en Kiarostami, encara que copii dels altres. Un Kiarostami però, diferent a l'original. Original dels orígens atravessant les oliveres, o morint d'amor per les cireres. És aquesta la primera alegría festivalera, un director independent que dóna peu a debats sobre allò genuí i allò copiat. Jo puc parlar doncs de la meva experiència. I és que durant molts anys vaig pensar que jo era la original de la meva germana. Pensava: perquè jo havia de tenir una còpia de mi mateixa? Jo mateixa m'otorgava el do de la orginalitat i relegava a la meva bessona a l'infortuni de ser, tan sols, una mera còpia. Però amb els anys, per sort, ens n'adonem que la originalitat recau en cada un de nosaltres i que, irremediablement, potser allò que fem, ja ho ha fet un altre. Que allò que sóm, ja ha estat. I que allò que veiem, ja ho hem vist. Com el matrimoni, del qual també en parla en Kiarostami. D'uns anys que passen i que avorreixen. I així ens fa creure, en un primer amor, en un apropar-se a enamorar a qui sembla flirtejar-nos... però eus aqui el toc de gràcia de la pel·lícula, que al final, tornem a l'orígen. Orígen, d'orígen, de naixement. El naixement d'un matrimoni incontrolable. Però no dic res més, per no espatllar la gràcia. Per no desvetllar la originalitat del guió. Un guió juganer, un guió plè de conquestes, un guió plè de jocs de paraules, un guió ben original, d'original per venir d'en Kiarostami i els seus llargs silencis (val a dir, tot ell, faci el que faci, esplèndit).